alice dote
Alice Dote é uma marca. Qual é o posicionamento dela no mercado? O que ela tenta expressar com seu espaço no mercado?
Se pensarmos a palavra “marca”, na linguagem das artes visuais, remetemos a inscrição, rastro, traço. Efeito visível de um gesto. Nesse sentido, consigo pensar essa “marca” mais como prática do que como produto, o que compreende sustentar uma posição, estabelecer um campo de elaboração, trabalhar uma postura, que se dá na própria vida cotidiana mesmo.
Daí que meu “posicionamento no mercado” é indissociável das posições que ocupo (ou que instauro) na vida, em termos éticos, estéticos, políticos. Talvez haja uma singularidade no meu trabalho em artes visuais que se dá pelo atravessamento com outros campos e interesses. Até mesmo minha trajetória de formação – com mestrado em Sociologia e pesquisa na antropologia urbana, e passagem por diversos ateliês e cursos livres em diferentes cidades – evidencia isso. Estou sempre nos espaços-entre, e venho aceitando que isso é mais interessante no sentido de escapar de uma identidade facilmente reconhecível e organizar uma presença pública mais pela fricção, pelo tensionamento, pela contradição.
Esse é o meu trabalho: entre autobiografia e autoficção, erotismo e luto, desejo e morte, público e privado, exposição e vulnerabilidade, vida e obra são inseparáveis. O que essa “marca” expressa talvez seja o que o trabalho expressa: que compreende a pintura como trabalho psíquico e procedimento erótico; a intimidade como método; a morte (assim como a sexualidade) reivindicada não como tabu ou espetáculo, mas como matéria poética – expressa.
O marketing de conteúdo vira um portfólio vivo. Qual é a sua estratégia para se manter autêntica nas redes com o seu público?
De fato, as redes sociais funcionam como um “portfólio vivo” pra nós, artistas, de modo geral. Mas isso pode ser feito de muitas maneiras: as redes podem servir como vitrine, recurso para monetização, diário de processo…
No meu caso, devo introduzir que eu tenho uma relação muito próxima com as redes sociais desde adolescente, então eu cresci explorando essa presença virtual, ou melhor, essa relação entre esses campos de presença. Usar as redes sociais quase como um “diário” contribuiu para facilitar e tornar muito mais naturalizada (mas não ingênua) essa comunicação. Acredito que aqui está a chave dessa “estratégia”: não separar vida, trabalho e comunicação.
As áreas da vida se interpenetram nesse diário virtual. O que aparece como portfólio é, na verdade, processo: pintura em curso, cotidiano de ateliê, leituras, trechos de aulas, além de toda a matéria íntima que se desdobra na obra. As redes acabam funcionando como extensão desse campo, um espaço onde processo e pensamento aparecem junto da obra (e, não à toa, ali nas redes sociais também a pintura acontece: muito reverbera de volta no trabalho).
Tenho muitas críticas à lógica das redes — como todos nós. Às vezes, gostaria de não precisar estar cronicamente online para fazer o trabalho circular. Mas isso nos levaria a discutir o próprio mercado da arte. Como já ouvi uma colega artista dizer, somos “mulheres que correm com o algoritmo”. Não romantizo esse espaço, mas também não o abandono. Tento usá-lo com presença, consciente do que está em jogo nesse uso, e com o mesmo compromisso ético e poético que sustenta a pintura.
Você sente pressão para “amenizar” temas para ter melhor aceitação do mercado? Ou sente que já existe abertura para se expressar sem restrições?
A escritora francesa Annie Ernaux diz: “preciso escrever sobre o que está vivo, exposta ao perigo do que está vivo”. E isso tem consequências.
A pressão existe, ainda que nem sempre de forma explícita. Ela aparece nas sugestões sutis, nas restrições das redes sociais às minhas pinturas, mesmo naquilo que circula com mais facilidade. Erotismo, sexualidade, morte e luto ainda são temas interditos, provocando certo desconforto do público em geral e encontrando resistência do mercado.
Mas eu não diria que a solução é “amenizar”. Meu trabalho não nasce do desejo de provocar pelo choque, mas de elaborar. E faço isso com a matéria mais banal do vivido, e a essa matéria devo honestidade. Tento assumir o risco de um trabalho que tem o desejo como bússola ética. De assumir o risco de expor e me expor ao me utilizar da matéria da própria vida, da sexualidade ao luto, como matéria poética, de sustentar as consequências – pessoais e profissionais – disso.
Embora eu não tenha partido de um programa, da decisão deliberada de trabalhar uma causa, fui entendendo como minha produção assume posições políticas intrínsecas à sua própria poética, ou seja, ao seu modo de fazer.É também uma forma de me apropriar do próprio corpo: não apenas das imagens criadas sobre ele, mas das imagens produzidas por ele. O que nós, artistas mulheres, produzimos – e como isso chega na sociedade e no mercado.
E, na medida em que o mercado me pede para “amenizar” certos temas ou imagens, torná-los mais palatáveis e vendáveis, também fica mais nítida a dimensão política disso. Eu entendo que cada escolha estética já é uma escolha política. Se eu suavizasse esses temas para torná-los mais aceitáveis, estaria comprometendo o próprio núcleo do trabalho. Daí que é um desafio se manter honesta a isso e, ao mesmo tempo (talvez por insistência ou teimosia), conseguir ocupar um espaço no mercado. É a tensão que escolhi não evitar.
Na sua perspectiva, o que falta no mercado artístico cearense para melhorar a circulação de exposições e de obras locais?
O Ceará tem uma produção artística muito potente e diversa. Há muita gente boa produzindo aqui e agora. O problema não é a qualidade, é a circulação.
Ainda enfrentamos desafios estruturais que dependem da existência de redes sustentáveis entre instituições, galerias, crítica, curadoria, colecionadores e mercado. Produzimos muito, mas circulamos pouco.
O cenário hoje é mais promissor, com o funcionamento de equipamentos como a Pinacoteca do Ceará, o Museu da Imagem e do Som do Ceará e o Centro Cultural Banco do Nordeste Fortaleza, além de movimentos independentes importantes: produtoras, ateliês coletivos, espaços de formação. Muitos artistas têm criado suas próprias estratégias de sobrevivência. Isso é potente, mas também revela uma lacuna estrutural.
Acho que um dos pontos em que mais podemos avançar é na consolidação de uma cultura de aquisição de obras locais, tanto por parte de instituições quanto de colecionadores privados. Há grandes colecionadores no Ceará, mas a aquisição sistemática de artistas locais, incorporando essas gerações a essas coleções, ainda é frágil. E sabemos que o problema não é grana. Investir na arte produzida aqui não é apenas uma escolha estética, é uma decisão política e econômica sobre o futuro do próprio campo artístico do Ceará.
Melhorar a circulação exige pensar o ecossistema como um todo — formação, pesquisa, crítica, financiamento e público — criando condições para que os trabalhos não apenas existam, mas amadureçam e perdurem.
Dica de livro:
Annie Ernaux, Édouard Louis e bell hooks são referências importantes no meu trabalho hoje. Sempre retorno à poesia — e, nesse campo, me marcaram muito recentemente Mar Becker e Maria Isabel Iorio. E volto com frequência a Jóquei, da Matilde Campilho.
Alice Dote is a brand. How is she positioned in the market? What does she seek to express through the space she occupies within it?
If we think of the word “mark” in the language of visual art, it evokes an inscription, a trace, a stroke: the visible effect of a gesture. In this sense, I can think of this “mark” more as a practice than as a product — one that involves sustaining a position, establishing a field of inquiry, developing a stance that takes shape within everyday life itself.
My “positioning in the market”, then, is inseparable from the positions I occupy — or create — in life, in ethical, aesthetic and political terms. Perhaps part of the singularity of my work in the visual arts lies precisely in the way it intersects with other fields and interests. Even my educational trajectory — with an MA in Sociology and research in urban anthropology, alongside time spent in different studios and independent courses in various cities — reflects this.
I am always in spaces in-between, and I have come to accept that this is more interesting insofar as it allows me to escape an easily recognisable identity and to organise a public presence through friction, tension and contradiction.
This is my work: between autobiography and autofiction, eroticism and mourning, desire and death, public and private, exposure and vulnerability, life and work are inseparable. What this “mark” expresses is perhaps what the work itself expresses: an understanding of painting as psychic work and erotic procedure; intimacy as method; death — like sexuality — claimed not as taboo or spectacle, but as poetic material, given form.
Content marketing becomes a living portfolio. What is your strategy for remaining authentic on social media with your audience?
Social media does indeed function as a kind of “living portfolio” for artists in general. But this can take many forms: social media can serve as a showcase, a means of monetisation, a process diary...
In my case, I should begin by saying that I have had a very close relationship with social media since I was a teenager. I grew up exploring this virtual presence — or rather, this relationship between different fields of presence. Using social media almost as a “diary” helped make this communication easier and much more naturalised, though not naïve. I believe this is the key to the “strategy”: not separating life, work and communication.
Different areas of life interpenetrate within this virtual diary. What appears to be a portfolio is actually process: painting in progress, everyday studio life, readings, excerpts from classes, as well as all the intimate material that unfolds into the work. Social media ultimately functions as an extension of this field, a space where process and thought appear alongside the work. And, not coincidentally, painting also happens there, on social media: much of what occurs there reverberates back into the work.
I have many criticisms of the logic of social media — as we all do. Sometimes I wish I did not have to be chronically online in order for the work to circulate. But that would lead us into a discussion about the art market itself. As I once heard a fellow artist say, we are “women who run with the algorithm”. I do not romanticise this space, but neither do I abandon it. I try to use it with presence, aware of what is at stake in that use, and with the same ethical and poetic commitment that sustains the painting.
Do you feel pressure to “soften” certain themes in order to gain greater acceptance in the market? Or do you feel there is already enough openness to express yourself without restrictions?
The French writer Annie Ernaux says: “I need to write about what is alive, exposed to the danger of what is alive.” And that has consequences.
The pressure exists, even when it is not always explicit. It appears in subtle suggestions, in social media restrictions placed on my paintings, even in what is allowed to circulate more easily. Eroticism, sexuality, death and mourning are still taboo subjects, provoking a certain discomfort among the general public and encountering resistance within the market.
But I would not say the solution is to “soften” them. My work does not arise from a desire to provoke through shock, but from a need to elaborate. And I do this with the most ordinary material of lived experience, to which I owe honesty. I try to accept the risk of making work that takes desire as an ethical compass. To accept the risk of exposing and exposing myself by using the material of my own life — from sexuality to mourning — as poetic material, and of sustaining the consequences, both personal and professional, of doing so.
Although I did not begin with a programme or with the deliberate decision to work in the service of a cause, I gradually came to understand how my work assumes political positions that are intrinsic to its own poetics — that is, to the way it is made. It is also a way of reclaiming my own body: not only the images created about it, but the images produced by it. What we, as women artists, produce — and how that production reaches society and the market.
And insofar as the market asks me to “soften” certain themes or images, to make them more palatable and saleable, the political dimension of this becomes even clearer. I understand every aesthetic choice as already being a political choice. If I softened these subjects to make them more acceptable, I would be compromising the very core of the work.
The challenge, then, is to remain honest about this while at the same time — perhaps through insistence or stubbornness — managing to occupy a space within the market. That is the tension I have chosen not to avoid.
From your perspective, what is still lacking in Ceará's art market in order to improve the circulation of local exhibitions and artworks?
Ceará has an extraordinarily powerful and diverse artistic production. There are many very good artists working here, right now. The problem is not quality; it is circulation.
We still face structural challenges that depend on the existence of sustainable networks between institutions, galleries, criticism, curatorship, collectors and the market. We produce a great deal, but we circulate very little.
The landscape today is more promising, with institutions such as Pinacoteca do Ceará, Museu da Imagem e do Som do Ceará and Banco do Nordeste Cultural Fortaleza, alongside important independent initiatives: producers, collective studios and educational spaces. Many artists have created their own strategies for survival. That is powerful, but it also reveals a structural gap.
I think one of the areas in which we can make the most progress is in consolidating a culture of acquiring work by local artists, both among institutions and private collectors. There are major collectors in Ceará, but the systematic acquisition of work by local artists — incorporating these generations into their collections — remains fragile. And we know that money is not the problem.
Investing in art produced here is not merely an aesthetic choice; it is a political and economic decision about the future of Ceará's own artistic field.
Improving circulation requires thinking about the ecosystem as a whole — education, research, criticism, funding and audiences — and creating the conditions for works not merely to exist, but to mature and endure.
Book recommendation:
Annie Ernaux, Édouard Louis and bell hooks are important references in my work today. I always return to poetry — and in that field, Mar Becker and Maria Isabel Iorio have had a particularly strong impact on me recently. And I frequently return to Jóquei, by Matilde Campilho.
