Ao longo da história da arte ocidental, o corpo feminino foi frequentemente construído como superfície de desejo e passividade, dentro de estruturas patriarcais que posicionaram o masculino como agente do olhar e o feminino como imagem a ser observada. Provocando outros caminhos, o trabalho artístico de Alice Dote tensiona o regime de visibilidade que historicamente sustentou a pintura como campo de poder e hierarquia de gênero.
Desde a tradição pictórica até a cultura visual moderna, seguimos sendo constantemente bombardeados por imagens em que o feminino aparece como objeto de desejo, figura passiva e sujeito associado ao cuidado e à subserviência. Em contraponto, diversas artistas que se reconhecem no campo da mulheridade (termo utilizado por pensadoras feministas contemporâneas e pelos estudos cuir/transviados para designar diferentes interseccionalidades do feminino) têm exercitado romper com as narrativas patriarcais que moldaram a representação das mulheres na arte e na sociedade.
Nesse caminho, a exposição o nome disso não é fome, primeira exposição individual de Alice Dote, não busca simplesmente inverter a direção do olhar e assumir o lugar de domínio sobre o outro, mas instaurar um jogo em que desejo, intimidade e compartilhamento desestabilizam as fronteiras entre quem olha e quem é olhado. As obras operam menos pela afirmação de um controle sobre a imagem e mais pela abertura de um campo sensível, em que o corpo não se reduz à condição de objeto contemplativo, mas existe como território de afeto, tensão, opacidade e invenção.
Em contraste com a tradição do olhar, Alice Dote desloca essas hierarquias ao representar o corpo masculino não sob uma lógica heroica ou dominante (recorrente na história da arte, sobretudo na pintura), mas em estado de vulnerabilidade, intimidade e afeto. Suas pinturas colocam o homem em um lugar que pertenceu historicamente à representação feminina: o da contemplação. No entanto, não se trata apenas de inverter posições. O que suas obras parecem materializar é uma desestabilização das relações entre poder, desejo e visualidade, fazendo emergir fragilidade, exposição e sutileza como elementos que rompem com a masculinidade tradicionalmente associada à força, ao domínio e à autoridade.
Nesta trama, também está implicado o olhar do fruidor, convidado a se alimentar daquilo que vê. Já no título, a artista oferece ao espectador a possibilidade de nomear a partilha. Ao afirmar o que não é, Alice desloca a função habitual do nome, apostando na negação como força de abertura. Ao dizer “não é fome”, o título convida o visitante à invenção e à participação no processo de nomeação. Em vez de oferecer respostas, a artista propõe, indiretamente, a pergunta: o que seria isso que não é fome?
Nas obras, o jogo entre palavras e coisas se desdobra. Muitas vezes, uma mesma pintura abriga mais de um título, fazendo da palavra um território de experimentação. Entre linguagem verbal e imagem, há uma distância estrutural que não busca ser resolvida, mas habitada. Entre fotografias de celular, imagens de corpos e objetos cotidianos traduzidos em óleo sobre tela, as obras ampliam o trânsito entre o íntimo e o público, o desejo e o artifício.
Somadas às representações dos corpos, aparecem também as naturezas-mortas, gênero pictórico historicamente destinado às mulheres, tanto por ser considerado inferior à figuração humana quanto pela proibição do estudo da anatomia masculina. Entretanto, as naturezas-mortas aparecem como rastros do desejo consumido, sem disputar protagonismo, mas articulando o encontro entre corpo, objeto, alimento e vida cotidiana. Nesta relação, as pinturas integram uma investigação conduzida pela política do olhar, ao mesmo tempo em que dialogam com artistas mulheres que reinscrevem a si mesmas na história da arte.
Expandindo suas possibilidades de criação, Alice também compartilha o desejo de se fazer presente na obra. Por meio da videoperformance, inaugura outro lugar para sua poética, apostando na presença como possibilidade de inventar outros alimentos para o banquete oferecido ao público. Nesse percurso, a exposição desloca modos de representação e desejo, convocando as pessoas visitantes a experimentar outras relações entre corpo e imagem, em zonas nas quais o olhar não se fecha sobre o corpo, mas se abre à possibilidade de criar com ele.
Throughout the history of Western art, the female body has frequently been constructed as a surface of desire and passivity, within patriarchal structures that positioned the masculine as the agent of the gaze and the feminine as the image to be observed. Opening other pathways, Alice Dote’s artistic practice places pressure on the regime of visibility that has historically sustained painting as a field structured by power and gender hierarchy.
From the pictorial tradition to modern visual culture, we continue to be relentlessly bombarded by images in which the feminine appears as an object of desire, a passive figure, and a subject associated with care and subservience. In response, numerous artists who identify within the field of "mulheridades" (womanhoods) — a term employed by contemporary feminist thinkers and by queer/cuir studies to address the multiple intersectionalities of the feminine — have sought to break with the patriarchal narratives that shaped the representation of women in art and society.
Within this context, the name of this is not hunger, Alice Dote’s first solo exhibition, does not simply seek to reverse the direction of the gaze and assume a position of dominance over the other. Rather, it establishes a game in which desire, intimacy, and sharing destabilize the boundaries between the one who looks and the one who is looked at. The works operate less through the assertion of control over the image than through the opening of a sensitive field in which the body is not reduced to the condition of a contemplative object, but exists instead as a territory of affection, tension, opacity, and invention.
In contrast to the traditional economy of the gaze, Alice Dote displaces these hierarchies by representing the male body not according to a heroic or dominant logic — so recurrent in the history of art, particularly in painting — but in states of vulnerability, intimacy, and affection. Her paintings place men in a position historically assigned to the representation of women: that of contemplation. Yet this is not merely a matter of reversing roles. What her works seem to materialize is a destabilization of the relationships between power, desire, and visuality, allowing fragility, exposure, and subtlety to emerge as elements that challenge forms of masculinity traditionally associated with strength, mastery, and authority.
Within this framework, the viewer’s gaze is also implicated, invited to feed on what it sees. In the very title, the artist offers the spectator the possibility of naming the act of sharing. By asserting what it is not, Alice displaces the customary function of naming, investing in negation as a force of openness. By stating “this is not hunger,” the title invites visitors to invent and to participate in the process of naming. Rather than offering answers, the artist indirectly poses a question: what might this thing be that is not hunger?
Throughout the works, the play between words and things unfolds further. Often, a single painting carries more than one title, making language itself a territory of experimentation. Between verbal language and image, there exists a structural distance that does not seek resolution, but habitation. Between cellphone photographs, images of bodies, and everyday objects translated into oil on canvas, the works expand the circulation between intimacy and publicity, desire and artifice.
Alongside the representations of bodies, still lifes also emerge. Historically, this pictorial genre was often relegated to women, both because it was considered inferior to the depiction of the human figure and because women were prohibited from studying male anatomy. Here, however, the still lifes appear as traces of consumed desire. They do not compete for prominence, but instead articulate encounters between body, object, food, and everyday life. In this relationship, the paintings form part of an investigation guided by the politics of the gaze, while simultaneously entering into dialogue with women artists who reinscribe themselves into the history of art.
Expanding the possibilities of her practice, Alice also shares the desire to make herself present within the work. Through video performance, she inaugurates another site for her poetics, investing in presence as a way of inventing new forms of nourishment for the banquet offered to the public. In this trajectory, the exhibition displaces established modes of representation and desire, inviting visitors to experiment with other relationships between body and image, in zones where the gaze does not close itself upon the body, but opens toward the possibility of creating with it.
